The Square

 

The Square, la cinta ganadora de Cannes 2017 es una sátira del mundo del arte mordazmente divertida del director de Force Majeure.

Square es una palabra sencilla. Christian es el respetado comisario de un museo de arte contemporáneo, un padre de dos hijos divorciado pero dedicado que conduce un automóvil eléctrico y apoya buenas causas. Su próximo espectáculo es “The Square”, una instalación que invita a los transeúntes al altruismo, recordándoles su papel como seres humanos responsables. Pero a veces, es difícil cumplir con sus propios ideales: la respuesta tonta de Christian al robo de su teléfono lo arrastra a situaciones vergonzosas. Mientras tanto, la agencia de relaciones públicas del museo ha creado una campaña inesperada para “The Square”. La respuesta es exagerada y envía a Christian, así como al museo, a una crisis existencial.

 

The Square, cartel.

The Square, cartel.

 

Este es el plot central del drama que acaba de llevar para darle la vuelta a nuestras consciencias. La cinta ganadora de Cannes  2017 es una sátira del mundo del arte mordazmente divertida del director de Force Majeure.

Ruben Östlund es un maestro de la incomodidad, y The Square, que ganó la Palma de Oro en Cannes este año, podría ser su obra maestra: una comedia de dos horas y media sobre las debilidades de la supuesta alta sociedad, desarrollándose como una cadena de episodios exquisitamente incómodos.

La última película de Östlund, The Force Majeure, estableció al escritor y director sueco como una autoridad en el frágil ego masculino, siguiendo como lo hizo un padre y marido, aprendiendo una lección dura sobre sus propios instintos de protección (o la falta de los mismos). The Square, que disecciona una especie muy diferente de hombría imperfecta, no tiene el mismo enfoque de láser sin piedad que su antecesora, pero el alcance de su ambición es tal vez igualmente notable. Esta es una película con muchas cosas en mente, desde el arte hasta el altruismo y el llamado efecto espectador, y podría funcionar como un test de Rorschach para su público, reflejando las ansiedades e inseguridades de los espectadores.

Sin duda un largometraje que hay que ver, para disfrutar de la propuesta, y sobre todo, para poder reflexionar y llevar a cabo un ejercicio crítico tanto con la obra como con las temáticas expuestas. Desde Símbolo Ingenio Creativo os animamos a que os dejéis llevar por el drama de la parodia de la élite de una época.

Saul Bass, Diseño Gráfico y Cine

Saul Bass fue un diseñador gráfico estadounidense y cineasta ganador de un Premio de la Academia, un oscar, nada más y nada menos. Bien conocido por su diseño de secuencias de títulos de películas, carteles de películas y logotipos corporativos.

Saul Bass, cartel para la película Anatomy of a Murder, de Otto Preminger

Saul Bass movie poster for Otto Preminger movie “Anatomy of a Murder”

Saul Bass, conocido por su diseño de secuencias de títulos de películas, carteles de películas y logotipos corporativos.

Durante su carrera de 40 años, Bass trabajó para algunos de los cineastas más destacados de Hollywood, incluyendo Alfred Hitchcock, Otto Preminger, Billy Wilder, Stanley Kubrick y Martin Scorsese. Entre sus secuencias de título más famosas están el recorte de papel animado del brazo de un adicto a la heroína para El hombre con el brazo de oro de Otto Preminger, los créditos subiendo y bajando lo que finalmente se convierte en un ángulo en la azotea de un rascacielos en North by Northwest de Hitchcock. y el texto inconexo que corre de un lado a otro, se une y se separa en Psico.

Saul Bass

Saul Bass

Bass diseñó algunos de los logotipos corporativos más emblemáticos de América del Norte, incluido el logotipo de Bell System en 1969, así como el logotipo de AT & T en 1983 después de la ruptura con Bell. También diseñó el logotipo de la corriente en chorro de 1968 de Continental Airlines y el logotipo del tulipán de 1974 de United Airlines, que se convirtió en uno de los logotipos de la industria aérea más reconocidos de la época.

Desde Símbolo Ingenio Creativo rendimos homenaje a este maestro del diseño. Sin duda un genio que combinó a la perfección la práctica del diseño gráfico y la imagen en movimiento del audiovisual, en una época en la que las fronteras entre las disciplinas estaban mucho más definidas.

Dziga Vertov llega al Reina Sofia

Dziga Vertov fue un pionero de la imagen en movimiento, de eso queda poca discusión. Lo innovador en su forma de pensar el cine y el video, el adentrarse en conceptos tales como la cámara como prótesis del cuerpo, la experimentación con la edición y el montaje de la película, cuando todo se hacía y construía de manera manual, hacen de este autor un indispensable para la revisión de cualquier amante del séptimo arte.

Dziga Vertov: la experimentación con la edición y el montaje de la película, cuando todo se hacía y construía de manera manual, hacen de este autor un indispensable para la revisión de cualquier amante del séptimo arte.

Dziga Vertov. El hombre de la cámara. Película, 1929

Dziga Vertov. El hombre de la cámara. Película, 1929

Según Giles Deleuze, las películas de Vertov eran  “un ojo en la materia, una percepción tal y como es en la materia”. No es de extrañar que grandes pensadores de la época vieran en su obra reflejadas muchas de las nuevas corrientes del pensamiento, algunas de ellas demasiado adelantadas a su tiempo.

A partir del dos de octubre, podemos disfrutar del ciclo audiovisual que rememora la obra de Vertov, volver a ver en la gran pantalla sus “películas objeto”. Una oportunidad que no podemos desaprovechar los amantes del cine en mayúsculas. Según la publicación del museo, haciendo referencia a la parte más activista de la obra del cineasta ruso:

Forjando películas “con nuestras manos desnudas”, con estas palabras describía Vertov la actividad de los Kinocs, colectivos fílmicos articulados en torno al cineasta, cuyo trabajo evolucionó rápidamente pasando por varias fases y asumiendo diversos formatos que abarcaban desde cortometrajes de propaganda animada y películas de agitación montadas en trenes hasta documentales etnográficos y líricas “sinfonías  urbanas”. Formado en música y psicotécnica, Dziga Vertov se acercó a cada proyecto con el entusiasmo y la ingenuidad de un autodidacta, reinventando las posibilidades técnicas del medio y descubriendo las nuevas conjunciones sinestésicas que ofrecía la emergente tecnología fílmica. La teoría del Cine-Ojo, formulada por el autor, defendía la mayor objetividad posible. Rechazaba el guion, la escenografía o los actores profesionales. La idea de Vertov era la de buscar el cine en su estado más puro, siguiendo la máxima de que la cámara capta mejor la realidad que el propio ojo humano. Incluso hoy en día sus películas revelan lógicas experienciales de carácter materialista y abstracto sin precedentes. En el conjunto de la obra fílmica de Dziga Vertov, el materialismo y el cálculo metafísico convergen bajo el signo de un compromiso político, aunque no partidista.

En este ciclo, se pretende revisar la obra del autor y recontextualizarla, por lo que presenta una serie de sus largometrajes junto con distintos documentales del primer audiovisual soviético. Los kulturfilme, o documentales educativos de la unión soviética, realizados por autores como Kuleshov, Pudovkin, obras de ficción de directores como Shub y Kaufman, y los experimentales de la mano de Vertov y otros como Vladimir Erofeev, Roman Karmen y Zhemchuzhnyi entre otros, generan una suerte de debate a la hora de confrontar las ideas de Dziga Vertov y sus concepciones fílmicas sobre el registro de lo real y el factor indexical del cine de principios de siglo XX.

Este programa abarca nada más y nada menos que 30 sesiones, de las cuales podéis encontrar toda la información en el siguiente enlace: http://www.museoreinasofia.es/actividades/dziga-vertov-ojo-materia

Desde Símbolo Ingenio Creativo nos complace hacernos eco de este ciclo que aterriza en la capital, porque amamos y glorificamos la imagen en movimiento, es parte de nuestro ADN. Para todos aquellos que no puedan asistir, aquí os dejamos dos de sus obras maestras, A man with a movie camera (1929) y Enthusiasm (1931). Larga Vida al cine!

MAN WITH A MOVIE CAMERA

ENTHUSIAMS

 

Globos rojos atados a alcantarillas, mensajes en asfalto y cámaras ocultas para promocionar el remake de “It”.

Globos rojos, así de claro. La película de miedo que sale en los cines esta semana es un remake de “It”, una película del año 1990, basada en bestseller de Stephen King. La campaña publicitaria para anunciar la película en Australia opta por la creatividad, simpleza y eficacia usando métodos inteligentes y poco costosos.

Los globos rojos en Sydney

A la hora de promocionar “It”, los publicistas han conseguido que las calles se llenan de terror y los espectadores se sientan como participantes de la historia. En las calles de Melbourne y Sydney los ciudadanos se encuentran con globos de color rojo que están atados a las alcantarillas por toda la ciudad. Esto nos remite a la película y al método de payaso Pennywise de la película para atraer a sus víctimas con un globo rojo.

Además, al lado de algunas alcantarillas aparecieron las leyendas en inglés “It is closer than you think. #ITMOVIE in cinemas september 7” (Está más cerca de lo que tú crees. #ITMOVIE en cines el 7 de septiembre). Los globos, junto con los mensajes, llevaron a los australianos a las redes sociales donde éstos compartieron fotos junto con el hashtag usado por los creativos.

Imagen grabado por una cámara oculta

También han lanzado una cámara oculta que grababa a la gente asustada por el asesino de la película paseando en el metro y saltando de alcantarilla. Además de estos escenarios, han montado una escena de un niño que pide ayuda en la calle por la noche a los desconocidos. De manos del pobre niño se cae su juguete y pide ayuda para sacarlo de la alcantarilla. Ya podemos imaginar que pasa cuando la gente acerca a la alcantarilla para ayudar al pobre niño en mitad de la noche… El método de grabar videos con cámara oculta ha sido usado para promocionar otras películas de miedo y siempre funciona bien a la hora de conseguir repercusión y enganchar a la gente en las redes sociales. Durante tres días, el video subido a YouTube ha ganado más de un millón de visualizaciones.

¿Todavía no tenéis miedo? Pues vayamos al cine a asustarnos con la parte más valiente del equipo de Símbolo Ingenio Creativo para apreciar no sólo la publicidad creativa para estreno, sino esta película de miedo también.